Von Album zu Album – Seite 3

Robert Plant, Saving Grace, 2025

Produzent/ Robert Plant, Saving Grace

Label/ Nonesuch

Von Robert Plant darf man immer das Unerwartete erwarten. Diese Erkenntnis hat sich seit der Auflösung von Led Zeppelin vor mittlerweile 45 Jahren immer wieder bestätigt. Und das tut das einmal mehr beim Erscheinen von Plants Album „Saving Grace“ im September 2025. Der heute 77-Brite hat auf diesem Album völlig unbekannte Musikerinnen und Musiker um sich geschart, und feiert eine Heimkehr zu seinen Wurzeln in der Folk-Musik. Der Blues von Willie Dixon, Howlin’ Wolf und Muddy Waters, den Led Zeppelin zum stadiontauglichen Balzgesang erhoben, war immer nur eine von vielen Farben auf Plants Stilpalette.

Heute lebt Robert Plant wieder unweit der walisischen Grenze, wo er seine Jugend verbrachte. „Saving Grace“ ist eine Spätfolge der Rückkehr nach Grossbritannien. Plant lernte den Gitarristen und Banjospieler Matt Worley in seinem Lieblingspub kennen. Zusammen entwickelten sie das Projekt „Saving Grace“ mit Musikern und Musikerinnen aus der lokalen Folk-Szene. Auf dem Album gibt es ein vielschichtiges Zusammenspiel der Band und ihr Repertoire ist sorgfältig ausgewählt. So klingt das Ganze archaisch und doch anregend. Wollte man ein paar Lieder herauspicken, dann stehen „Everybody’s Song“ oder die Bluegrass-Nummer „Higher Rock“ mit der grossartigen Sängerin Suzi Dian und das psychedelisch -rockige „Too Far From You“ im Mittelpunkt. Blind Willie Johnsons „The Soul of a Man“ wird von Matt Worley gesungen. Bei Saving Grace spielt Robert Plant, der schon lange kein Frontmann mehr sein will, nur eine Nebenrolle. Wer weiss, wieviel Repertoire Saving Grace sei ihres Bestehens schon eingespielt und wieder verworfen haben? An potenziellem Material mangelt es der Band beileibe nicht. Von Robert Plant darf man also weiterhin das Unerwartete erwarten. Eines ist allerdings sicher: Eine Wiedervereinigung von Led Zeppelin wird es nicht geben.

The Rolling Stones, Emotional Rescue, 1980

Produzent/ The Glimmer Twins

Label/ Rolling Stones

Das Sein bestimmt das Bewusstsein. Kunstwerke sind nur dann wirklich von Interesse, wenn sie Widersprüche ausdrücken, ausleben, reflektieren, in sich tragen. „Some Girls“ war grossartig: nicht nur wegen so exzellenten Songs wie „Shattered“, sondern weil das ganze Album Rolle, Funktion und Tradition der Stones in ihrer und unserer Gegenwart diskutierte.

„Emotional Rescue“ schliesst nahtlos an „Some Girls“ an. Drei der zehn Songs erinnern an „Angie“ oder „Wild Horses“-Zeiten, nicht ganz so überragend, aber immer noch gut für ein warmes Rieseln auf dem Rücken, und das will schon was heissen. Mir gefallen „Send It To Me“ und „She’s So Cold“ am besten, auch wenn gewisse Leute diese Phrase vielleicht abgeschmackt finden. Doch Jet Set, Jerry Hall und die Pariser Nächte müssen für Jagger und Richards eine Inspiration gewesen sein. Aus jedem Song grunzt einem eine saturierte, grienende Lebensfreude von Leute entgegen, denen es an nichts fehlt und die sich soweit vom Gefühl des Mangels und des Selbstzweifels entfernt haben, dass der Unterschied zu einem Paul McCartney nur noch im Material liegt. Immerhin bleiben die Stones selbstironisch und lassen zu, dass man ihnen in die Karten schauen kann.

T. Rex, Electric Warrior, 1971

Produzent/ Tony Visconti

Label/ Fly

Slade ging ja noch durch, ebenso Status Quo, aber T. Rex? Niemals. Wenn man ein ernsthafter junger Mann sein wollte, durfte man T. Rex nicht mögen. Da lauerte Gefahr in dieser Musik, in ihrer Effeminiertheit, ihren Teenage-Appeal, ihrem Rhythmus, in der Stimme Marc Bolans, im endlosen Strom von Hitsingles wie „Get It On“, „Hot Love“, „Children Of The Revolution“. Diesen Mutanten-Boogie im Hinterkopf hören, den Lockenkopf sehen, Kayalaugen, Geschichten von Feen und Autos und Feuersalamandern und weissen Einhörnern. Marc Bolan, das kleine Szenen-Arschloch hatte den Mut und das Talent, aus Illusionen und Halbwissen und minimaler Musik den grossen Teenager-Pop zu basteln, bevor er sich im September 1977 von seiner zweiten Frau Gloria Jones an einen Baum fahren liess, dreissig Jahre alt.

Nein, T. Rex habe ich damals nicht gemocht, aber heute darf ich sagen, Marc Bolan war vielleicht peinlich und schlecht, aber immer wenn ich zufällig einen Song von T. Rex im Radio höre, ist es ein schöner Tag. Deshalb möchte ich hier „Electric Warrior“ auflegen. Das kann natürlich nur ein Sonnentag, ein Tag für Trolle und Heinzelmännchen und kleine Nymphchen sein.

Tom Waits, Blue Valentine, 1978

Produzent/ Bones Howe

Label/ Asylum

Obwohl Tom Waits auf „Blue Valentine“ das Image des kaputten Nachtschwärmers weiter kultivierte, das er eigentlich abstreifen wollte, enthielt dieses Album seine bis anhin spannendste Musik. Manche der von Jazz-Produzent Bones Howe meisterhaft inszenierten Songs nahmen gespenstische Klangfarben und Stimmungen vorweg, die Waits später berühmt machen sollten. Und dann diese Reibeisenstimme! Wie sie bellt und röchelt. Hier spielt sich nahezu alles in der Nacht ab. Im Schein der Neonreklame. Im Zwielicht. Wie der Teenager-Selbstmord in „A Sweet Little Bullet from a Pretty Blue Gun“. Oder in der Einsamkeit. „Christmas Card from a Hooker in Minneapolis», den Monolog einer verbitterten Frau, wirft uns Waits in überwältigender Weise vor die Füsse.

„Whistlin’ Past the Graveyard“ ist die erste von zwei starken Nummern, die mit Sessionmusikern aus New Orleans entstanden. Swamp-Funk. Auf „Sweet Little Bullet“ klingt Waits fast wie Dr. John, dazu ertönt das Sax des früheren Fats-Domino-Begleiters Herbert Hardesty. Die lebendigen Details aus „Kentucky Avenue“ könnten aus Tom Waits’ eigener Kindheit stammen. Noch anrührender ist die Jazzballade „Blue Valentine“. Deren Protagonist weiss, dass er nicht mit dem Unrecht fertig werden kann, das er anderen zugefügt hat.

Bruce Springsteen, Tracks II: The Lost Albums, 2025

Produzent/ Bruce Springsteen, Ron Aniello, Jon Landau, Chuck Plotkin

Label/ Columbia

Obwohl physische Tonträger heute so gut wie obsolet sind, werfen viele der grossen Namen weiterhin Zusammenstellungen mit rarem oder unveröffentlichem Songmaterial auf den Markt. Auch der Unermüdliche, den seine Fans „The Boss“ nennen, kommt noch einmal mit einem voluminösen Set. Neben einer Scheibe mit Outtakes gibt es sechs komplette Albums, die noch nie veröffentlicht wurden. Während etwa das Album „L.A. Garage Sessions 83’“ ein Verbindungsstück zwischen „Nebraska“ und „Born in the USA“ ist, zeigt „Streets of Philadelphia Sessions“, dass Springsteen um diesen Song eine ganze Kollektion von Liedern in ähnlicher Instrumentierung – Synthesizer und Schlagzeugmaschine – parat gehabt hätte. Dunkelgrau, schraffiert und textlich düster, also bestens zu jener Zeit passend. Weitere Werke, die hier zugänglich gemacht werden, sind der Soundtrack zum nie gedrehten Western „Faithless“ oder das in der musikalischen Mythologie des südkalifornischen Grenzgebiet angesiedelte „Inyo“.

Auch wenn „Tracks II“ nicht immer überzeugt, öffnet es doch die Pforten zu einem Springsteen-Paralleluniversum, dessen Existenz natürlich auf dem grossen Erfolg der regulären Alben basiert, die es ihm ermöglichten, ohne finanziellen Druck seinen Ideen nachzugehen. Und wer will, kann auf „Tracks III“ warten, die der „Boss“ bereits angekündigt hat.

John Fogerty, Centerfield, 1985

Produzent/ John Fogerty

Label/ Warner Brothers

Auf „Centerfield“ vereinigen sich der historische CCR-Swamp-Rock, Countryelemente, Spuren von Soul und R&B und gar discohafte Anklänge zu schierer Harmonie. Das Album zeigt, dass John Fogerty eben doch ein „Ace Of Spades“ ist. Das erste und das letzte Stück bilden eine Art Klammer. „The Old Man Down The Road“ ist drückend, etwas bedrohlich, aber nicht ohne Witz. „Zant Kant Danz“ ist ausgesprochen komisch und raffiniert produziert und arrangiert, mit einfacher glatter Harmonie. Der Text handelt übrigens von einem zum Taschendieb ausgebildeten Schweinchen namens Zanz.

Schön eingebettet dazwischen liegen gelassene Enttäuschung („I Saw It On TV“), verärgertes Anrennen gegen Ausweglosigkeit („Searchlight“) und freches Aufbegehren („Centerfield“) und so weiter. Zwei Schwachpunkte gibt es aber auch: „Rock And Roll Girls“ und besonders „Mr. Greed“ wirken unvorteilhaft klotzig mit aufdringlicher Gitarre inmitten der sonst von Fogerty selbst sehr eigen und rein arrangierten Stücke. Davon abgesehen ist „Centerfield“ aber eine Zeit und Raum überwindende Erfreulichkeit schlechthin. „He take the thunder from the mountain/ He take a lightning from the sky/ He bring a strong man to his begging knee/ He make the young girl’s mama cry“ – wie gesagt.

Mazzy Star, So Tonight That I Might See, 1993

Text/ Musik/ David Roback, Hope Sandoval

Produzent/ David Roback

Label/ Capitol

Als dieses Album veröffentlicht wurde, war ich in einer anderen Musikrichtung unterwegs: Blues, Rock und Alternative. Mazzy Star waren mir damals zu ruhig und spacig gewesen. Heute sind sie es nicht mehr. Vor ein paar Monaten habe ich zum ersten Mal das Album „So Tonight That I Might See“ gehört und bin gleich beim ersten Lied „Fade Into You“ hängengeblieben. Dieses ist fast zu schön, um wahr zu sein, es klingt famos wie Mazzy Star dieses „ Knockin’ on Heaven’s Door“- Thema zum besten gibt, und die Sundowner-Gitarre schmilzt jede Alltagshärte weg. Der Gesang ist delikat: „Fade into you… Strange you never knew…Fade into you…“ Mit solch melancholischen Liedern lässt sich vortrefflich die Zeit verträumen.

Hope Sandoval ist die Sängerin mit der Traumstimme, während der zwischenzeitlich verstorbene David Roback ein genialer Soundtüftler war. Beide bilden zusammen eine originale musikalische Symbiose. Besonders eindrucksvolle Songs sind neben „Fade Into You“, „Bells Ring“, „Five String Serenade“, „Blue Light“, „Into Dust“. Sie haben alle diesen lähmenden psychedelische Schwebezustand, der sich wie ein feiner Rauch im Raum ausbreitet, dazu Hopes charismatische Aura sowie ihre eigenartig entrückte zeitlupenhafte Stimme beschreiben eine ungemein intensive, weit in der Vergangenheit zu liegen scheinende Atmosphäre. Wo ist der Blues? Egal, das Album hat ihn nicht zu knapp. Die Band sitzt immer noch am Delta und träumt von Robert Johnson oder Peter Green.

Lambchop, How I Quit Smoking, 1996

Produzent/ Your Starry Eyes

Label/ Merge

Auf dem gelb grundierten Cover ist ein Kohlezeichnung, die ein Gesicht zeigt, das sich in einem mit Rauch gefüllten Becher zu materialisieren scheint. Über den oberen, angeschliffenen Becherrand zieht sich der Albumtitel, während der Bandname auf einer Schublade steht, die durch das Gesichtsfeld der Rauchfigur fährt – oder auch einfach dort auftaucht, so genau weiss man das nicht. Es könnte eine feine, leicht verschrobene Referenz an Bruce Springsteens „I’m On Fire“ sein – wo im Original ein Güterzug durch den Kopf des singenden Erzählers rollt, ist es hier eben eine kleine Schubkarre, die im Gesicht herumfährt.

Die Lieder sind wie Berichte aus dem Alltagsleben kleiner Leute, einfühlsam vorgetragen und sachte instrumentiert, obwohl Lambchop zu jener Zeit noch als 13-köpfiges Kollektiv agierte, das auch Bläser umfasste. Es gibt ein paar wunderbare Songs auf dem Album: der Achtungserfolg „The Man Who Loved Beer“, der Jahre später auch von David Byrne neu interpretiert wurde, der luzide Nachmittagrummel von „All Smiles and Mariachi“ oder das reduziert arrangierte Liebeslied „Theöne“.

Das Album „How I Quit Smoking“ (der Titel ist wohl als Witz von Bandleader Kurt Wagner zu verstehen, (einem begeisterten Zigarettenraucher) ist jahrelang in den Weiten meiner Sammlung verlorengegangen, und erst kürzlich wieder aufgetaucht und hat mich mit einer kleinen Schubkarre Trost überschüttet.

Tex Williams, Smoke! Smoke! (That Cigarette), 1947

Text/Musik/ Merle Travis, Tex Williams

Label/ Capitol Americana

Ehrlich gesagt ist mir schleierhaft, wie man sich nach verrauchten Wirtshäusern und Büros zurücksehnen kann. Solange dieses Rauchen jedoch nur in Büchern, Filmen und in der Musik stattfindet, stört es mich nicht. Der Videoclip zu „Smoke Smoke Smoke that Cigarette“ von Tex Williams ist mit Werbespots (vorallem aus den Vierzigern und Fünfzigern) zum Thema unterlegt. Die Zigarette macht Männer zu coolen Jungs und harten Kerls; die vom blauen Dunst umhüllte Frau, deren glutroten Lippen den Glimmstengel liebkosen, wird zum mysteriösen, ja fatalen Wesen. Die Zigarette ist in einsamen Momenten des Manns einzige Freundin; beim Rauchen lässt sich angeblich bestens sinnieren und in Erinnerungen schwelgen – und ohnehin halten sich Raucher für bessere Geniesser als Nichtraucher.

Der Song „Smoke Smoke Smoke that Cigarette“ sollte hier aber nicht der Verherrlichung des Rauchens dienen, denn wie jeder mit Raucherfahrung weiss, wird dabei nicht nur genossen, sondern auch reichlich gehustet und geröchelt.

John Mellencamp, No Better Than This, 2010

Produzent/ T Bone Burnett

Label/ Rounder Records

Wenn jemand so produzieren kann, dass sich auch jüngere Sänger anhören wie lebensweise Greise, dann T Bone Burnett. John Mellencamp wurde mit 30 Grossvater, und als er 42 war, hatte er seinen ersten Herzinfarkt. Sein Leben bettelte Mellencamp darum, wie Dylan und Springsteen anerkannt zu werden, als erfahrene, dunkle Stimme aus den Urgründen Amerikas. Als er 58 Jahre alt war, erfüllte T Bone Burnett, der Produzent, seinen Wunsch.

Bei dem Album „No Better Than This“ wurde auf „neumodischen Schnickschnack“ in der Aufnahmetechnik verzichtet. Mellencamp wandelt hier auf den Spuren von Howlin‘ Wolf, dem jungen Elvis Presley und Robert Johnson. Die Aufnahmen mit der excellenten Begleitcombo u.a. mit Mac Ribot (Gitarre/ Banjo), David Roe (Bass), Jay Bellerose (Drums/ Percussion) und Miriam Sturm (Violine) entstanden an mehreren Aufnahmeorten mit Originaltechnik. So spielten sie beispielsweise in den legendären Sun-Studios in Memphis, oder im Zimmer 404 des Gunter Hotel in San Antonio, wo Robert Johnson im November 1936 u.a. sein legendäres „Dust My Broom“ aufnahm.

Mellencamp’s einzigartiges Experiment möchte ich als geglückt bezeichnen. Die Stücke bewegen sich zwischen Folk, Blues, Pre-Rock’n’Roll und Country. Sicher mag der Sound manchen erstmal irritieren, wer sich allerdings auf das Album einlässt, wird wunderschöne Songs entdecken, vorgetragen mit viel Soul in der rauen Stimme. Wie eine Botschaft aus längst vergangener Zeit. Der schönste Lied auf dem Album ist für mich persönlich „Save Some Time To Dream“: „Try to keep your mind open/ And accept your mistakes/ Save some time for living/ And always question your faith/ Could it be that this is all there is?/ Could it be that there is nothing more at all?/ Save some time to dream/ Cause your dream might save us all“.