Neil Young, Zuma 1975

Produzent/ Neil Young, David Briggs

Label/ Reprise

Einer meiner Lieblingsscheiben von 1975 ist Neil Young’s „Zuma“. Es ist ein Album, das mich in seiner inneren Konsistenz von Text und Melodie, Gesang und Instrumentierung noch heute überzeugt. Zentrales Thema von „Zuma“ ist die Liebe – verlorene Liebe. Bewältigung des Vergangenen, das Wiederfinden der eigenen Persönlichkeit und vorsichtiges Suchen nach neuer Bindung. Das Stadium von Schmerz und Verzweiflung ist überwunden. Young äussert sich in milder Resignation, ein wenig Wehmut klingt an, und es gelingen ihm sogar ein paar Stücke von bemerkenswert aggressiver Verärgerung.

Eine lange Instrumentalpassage, die mit unaufdringlicher Intensitätssteigerung eine sehr entspannte Stimmung schafft, leitet das ausgedehnte Epos „Cortez the Killer“ ein. Erzählt wird von der Zerstörung des Aztekenreichs unter König Montezuma durch den spanischen Konquistador Hernando Cortéz – Sinnbild für die Zerstörung eines paradisischen Lebensgefühls. Durch seine Eroberung verändert der Eroberer das, was er erobern wollte. Und je weiter er mit seiner Eroberung fortschreitet, desto mehr geht die Reinheit, die er suchte, verloren, blieb unerreichbar, irgendwo „there“. Wenn er ein wenig behutsam vorgeht, verirrt er sich auf halbem Weg. Wenn er nicht weiss, was er tut, und immer nur aufgeregt weiter drauflosstürmt auf den Reiz des Neuen und Unbekannten, das ihn in seinen Bann gezogen hat, dann zerstört er am Ende alles. Das ist der Fluch des Quetzalcoatl, den Montezuma in Cortéz personifiziert sah und Neil Young in sich selbst.

Robert Plant & Alison Krauss, Raising Sand, 2009

Produzent/ T Bone Burnett

Label/ Rounder Records

Die Kombination von Robert Plant und Alison Krauss war nicht zu toppen: „Raising Sand“, das erstaunliche Resultat ihrer musikalischen Liaison, bewies, dass die Stimme von Led Zeppelin und das Golden Girl des Bluegrass füreinander geschaffen waren. Mit 60 präsentierte sich Plant nicht als testosterongetriebener Gockel, sondern als gereifter Sänger, der sich nichts vergibt, wenn er der Jugend den Vorzug Iässt. Und Krauss, deren glockenhelle, ätherische Stimme sich in Songs von Tom Waits, Townes Van Zandt, Allen Toussaint, The Everly Brothers, Sam Phillips oder Gene Clark elegant um seine windet, erwies sich als perfektes Pendant.

„Raising Sand“, diese bezaubernde Exkursion ins Herz der amerikanischen Populärmusik, spürte Wurzeln nach, die sich in der Erde festkrallen, dort, wo die Grenzen zwischen Blues und Bluegrass, Country und Folk, Rock’n’Roll und Rockabilly verschwimmen. „Raising Sand“ klingt leichtfüssig und zeitgemäss. Dies war mit ein Grund für den kommerziellen Erfolg: Bis heute verkaufte das von T-Bone Burnett produzierte Album weltweit über zwei Millionen Kopien. Ein Crossover-Wurf und künstlerischer Triumph, der im Frühjahr 2009 mit fünf Grammys ausgezeichnet wurde – unter anderem als Album des Jahres.

Dr. Feelgood, A Case Of The Shakes, 1980

Produzent/ Nick Lowe

Label/ EMI Records

Eigentlich waren Dr. Feelgood eine Teddyboy-Gruppe, also Mod-Gegner, also definitiv unangesagt, konservativ. Wirklich gute Musik kam immer nur aus dem Mod-Lager, nie von den Rockabilly-Typen. Dr. Feelgood spielten Chuck Berry nach und Elmore James; um Geld zu verdienen. Aber mit der Zeit wurden ihnen die Teddyboys zu gewalttätig, und Dr. Feelgood besannen sich auf ihre eigentliche Liebe, den Rhythm & Blues. Mit Lee Brilleaux hatte die Gruppe einen charismatischen Sänger und in Wilko Johnson einen guten Songschreiber. 1974 machten sie eine erste LP; schon der Zweitling „Malpractice“ von 1975 kam in die Top Twenty. LP Nummer 3 sicherte ihnen die Nummer Eins in Englands Hitparaden: ein Live-Album mit dem Titel „Stupidity“.

1977 war Punk dann angesagt und die folgenden 70er Jahre-Platten von Dr. Feelgood kratzten alle so im Mittelfeld herum, obwohl mit „Milk & Alcohol“ noch einmal ein veritabler Single-Hit darunter war. Nach vier Platten stieg Wilko Johnson aus und wurde ersetzt durch Gypie Mayo. Nach Johnsons Ausscheiden verpasste Lee Brilleaux der Gruppe einen feineren Studiosound, holte sich Nick Lowe als Produzenten und hetzte seine Band an durchschnittlich 250 Abenden im Jahr auf die Bühne. Dieser Fleiss, diese Lust, live aufzutreten, ermöglichte es Dr. Feelgood, den immer schlechter werdenden Plattenverkauf zu ignorieren, allerdings hatte dies auch seinen Preis: Anfang der 80er Jahre stiegen nacheinander Gypie Mayo und die Original-Mitglieder der Gruppe aus, was Lee Brilleaux zur Rekrutierung neuer Musiker zwang. Vorher hat er aber mit Unterstützung Nick Lowes die alte Garde zur vielleicht besten Dr. Feelgood-Studioplatte angespornt: „A Case Of The Shakes“.

Wie altmodisch man auch immer die Musik von Dr. Feelgood finden mag, zweierlei darf man nicht vergessen: Wie wenige Gruppen es gibt, die zwei Jahrzehnte lang ihren Qualitätsstandard halten konnten. Und: dass Dr. Feelgoods Platten wohl eine ganz andere Sache sind, wenn man mittendrin steckt im Bierdunst, Schweiss und Höllenlärm.

The Box Tops, The Letter, 1967

Text/Musik/ Wayne Carson

Produzent/ Dan Penn

Label/ CBS

„Gimme a ticket for an aeroplane/ Ain’t got time to take a fast train“ – das ist schon mal ein guter Einstieg. Grosser Reim voll Logik und Leidenschaft: „Lonely days are gone, I’m a-goin‘ home/ My baby, just-a wrote me a letter.“ Ein Brief und das Ende der Verlassenheit ist da. Vergessen sind die Sünden, um Heimkehr wird gebeten, es winkt das Glück. „I don’t care how much money I gotta spend/ Got to get back to my baby again“. So muss es sein! Nicht kleinlich auf die Kosten achten – das ist ein Zeichen wahrer Liebe! Nix Billigreise, sondern spontan die schnellste Möglichkeit wählen, egal was es kostet, zum Teufel mit der wochenlang vorher gebuchten Fahrkarte. Was steht nun in diesem Brief? „Well, she wrote me a letter/ Said she couldn’t live without me no more“ – das war zu vermuten. Von solchen Zeilen träumt man. Träumen ja, aber will man dieses „Ohne-dich-kann-ich-nicht-länger-leben“ wirklich lesen? Läse man nicht insgeheim lieber einen weniger bedrohlichen Unabhängigkeitsgruss à la: Hallo, ich komm‘ ganz gut ohne dich zurecht. Freu‘ mich wenn, du kommst, freu‘ mich aber auch, wenn du gehst.

Das wäre nicht sehr romantisch. Deswegen liebt man unrealistische Lieder, die uns suggerieren, Liebe und Freiheit seien vereinbar. Die Box Tops haben 1967 aus der Komposition des Nashville-Cowboys Wayne Carson schon einiges gemacht. Ihr Leadsänger Alex Chilton bemühte sich, nicht wie ein kalifornischer Collegeknabe zu klingen. So wie er zu den Startgeräuschen eines Flugzeug die Heimkehr zu seiner Liebsten beschwor, war das nicht ganz unbrünstig, man hätte es fast für schwarzen Soul halten können. Und gut dazu tanzen konnte und kann man auch.

John Lee Hooker, Boogie Chillen, 1948

Text/Musik/ John Lee Hooker

Produzent/ Bernard Besman

Label/ Modern

Johhn Lee Hookers Darbietung hat solche Urkraft, dass es eigentlich ganz egal ist, ob er nun alleine oder in Begleitung von Eric Clapton und den Rolling Stones auftritt. Keiner konnte die klassische Bluesthematik auf so direkte und archaisch anmutende Weise darstellen wie John Lee Hooker. Das Merkmal dieser Musik: Der Musiker erschreibt sich seine Identität darin immer wieder neu. Der Song ist das weisse Blatt, auf dem er seine Schrift hinterlässt, seine Persönlichkeit darstellt – das Bluesschema ist die Grammatik. So erhält der Sänger die Chance „ich“ zu sagen, ohne eine Rolle spielen zu müssen. Ein Ich, hinter dem Geschichte steht, Geschichten sich ansammeln. Mögen die Sprachformeln auch reduziert sein, die Sätze bekannt, die Bilder vertraut: Individualität und Identität zeigen sich in der Art und Weise, wie sie artikuliert werden.

Deshalb lässt sich der Blues nicht auf ein musikalisches Schema, auf eine bestimmte Abfolge der Akkorde reduzieren. Bei Hooker sowieso nicht, schliesslich hat er stets einen eher freien Umgang mit Akkorden und Strophen gepflegt. Lange vor seinen ersten Plattenaufnahmen Ende der Vierziger spielte er in den Clubs von Detroit. Und ein Stück war eben dann zu Ende, wenn die Leute nicht mehr tanzen wollten.

Easy Rider (Soundtrack), 1969

Produzent/ Verschiedene

Label/ Reprise

Der schöne Traum der Sixties von individueller Freiheit und Selbstverwirklichung – zu schön, um wahr zu sein. In „Easy Rider“ kosten Wyatt und Billy das Lebensgefühl der Hippie-und Rockergeneration in vollen Zügen aus; sie huren, saufen, kiffen, werfen LSD-Trips ein und tragen ihre Unabhängigkeit zur Schau, dann aber schlägt die Gesellschaft erbarmungslos zurück und stellt Law und Order wieder her. Der Film ist aber nicht nur desillusionierend. Es gibt ja noch Drogen – die allerdings auch nicht uneingeschränkt positiv dargestellt werden. Eine lange Sequenz in der Mitte zeigt durchaus beide Enden. Vorallem gibt es ein Leben in der Nachfolge von Thoreau, also im Einklang mit der Natur und möglichst fern von der Gesellschaft. Die Episode bei einer Hippie-Kommune, die sich für dieses einfache Leben entschieden hat, ist auch eine der schönste Szenen des Films.

Es ist spät am Nachmittag. Wyatt und Billy beobachten, wie einige Mitglieder der Kommune auf dem kargen Sandboden Saat ausstreuen. Billy schüttelt zweifelnd den Kopf: „Das schaffen die nie, das schaffen die nie.“ Die Sonne geht langsam unter, und Wyatts Gesicht verklärt sich zu einem Lächeln: „Wird schon, Billy. Wird schon.“ Und natürlich der Soundtrack: Jimi Hendrix, Steppenwolf, The Byrds, Roger McGuinn, The Band usw.

The Who, Live At Leeds, 1970

Produzent/ Kit Lambert

Label/ Track (Polydor)

Die Who 1976 im Hallenstadion Zürich live zu erleben war für mich ein gewaltiger Eindruck. In den besten Momenten konnte man nicht anders als aufzuspringen und sich bewegen. Eine Platte, die all die Elektrizität von einem Konzert der Who aufweist und obendrein von erstaunlich guter Aufnahmequalität ist, ist „Live At Leeds“. Es ist eine Platte, die ich mir nach ihrem Erscheinen sofort gekauft habe. Gegenüber dem allzuüberbewerteten „Tommy“-Doppelalbum, war das ein echter Lichtblick, ein Schritt hin zu wirklicher Musikalität.

Die Originalausgabe der LP bringt fünf bekannte Stücke der Who, die die Entwicklungsphase von „Substitute“ bis „Magic Bus“ umspannt. Das sechste Stück ist eine Collage unter dem Titel „My Generation“, die allerdings ausser dem alten Who-Dropoutlied ( „People try to put us down/ Just because we get around/ Things they do look awful cold/ I hope I die before I get old“) auch Auszüge aus „Tommy“ bringt. In „Young Man Blues“, dem alten Country-Jazz-Hit von Mose Allison, überrascht Roger Daltrey mit seinem negroiden, blueshaften Gesang. Bei Pete Townshends Gitarrensolo, fühlt man sich an ein Led Zeppelin Konzert erinnert. Doch bei den Who wird der Heavy Rock längst nicht so dick aufgetragen wie bei Plant, Page & Co. Bei den alten Who-Songs wie „Substitute“, „Magic Bus“ oder Shakin All Over“, die hier zum ersten Mal in neuer Form gebracht wurden, fällt auf, wie schlagerhaft und wenig aufregend die im Studio entstandenen Originalversionen doch gewesen sind, wie sehr die Elektrizität fehlt, die die Who in ihren Konzerten entfachen konnten.

Michelle Shocked, Captain Swing, 1989

Produzent/ Pete Anderson

Label/ Mercury

„Captain Swing“ meint: „Swing is a feeling… Everything else is just style.“ Da kann man noch den Blues ergänzen, aber vom Prinzip her stimmt es. „Captain Swing“ ist nach meinen Kenntnissen die dritte Scheibe von Michelle Shocked, dem Chamäleon der Rockmusik. Jedes mir bekannte Album hat einen anderen Stil. Mal rockt es, dann sind es wieder leisere Töne der Songwriterin und Blues gibt es auch. Sie kam aus der Punkszene und war politisch so engagiert, dass ihre Eltern sie in die Psychiatrie einwiesen. Man konnte nie erahnen was kommen wird. Eines gemeinsam haben ihre Alben: sie sind durchweg von hoher Klasse und einen echten Ausfall bei den Songs gibt es nicht. Ab und zu fiel auch ein Song für die Charts ab, wie z.B. „Anchorage“.

Mit „Captain Swing“ holte sich Michelle Shocked den Jazz der 1940er und 1950er Jahre in das Jahr 1989. Für viele ihrer Anhänger war das Album eine Enttäuschung. Erwartet wurden Folk, Rock oder Punk, mit Jazz rechnete niemand. Der Erfolg war daher auch nicht so berauschend. Wie nicht anders zu erwarten, wurden sämtlich Songs von Michelle Shocked komponiert und getextet. Sie holte sich bei den meisten Songs zwar Bläser, es gibt aber auch Songs in kleiner Besetzung. Bei „Silent Way“ hört man eine Geige und akustische Gitarren so wie man es von Stephane Grappelli und Django Reinhardt kennt. Es gibt auch Bluesrock auf dem Album mit hervorragenden Gitarrensoli, eigentlich für jeden etwas. Der letzte Song trägt den Titel „Mystery Song“. Es könnte Absicht gewesen sein, denn hier wird nicht geswingt sondern gebluest. Der Stil erinnert an den Texasblues, aus Texas stammt die Dame auch. “My Little Sister” und “On The Greener Side” sind zwei Songs, die für mich in diesem Album weit oben stehen.

The Go-Betweens, 16 Lovers Lane, 1988

Produzent/ Mark Wallis

Label/ Beggars Banquet

„16 Lovers Lane“ von den australischen The Go-Betweens ist ein herrlich unspektakuläres Album, das ich in dieser Jahreszeit immer wieder gerne höre. Schon allein der uplifting fröhliche Song „Streets of Your Town“ löst bei mir Frühlingsgefühle aus. Da ist diese lüpfige Melodie, die tolle Akustikgitarre, der Singalong-Refrain „Round and round, up and down / Every day I make my way, through the streets of your town“. Ein totaler Ohrwurm, der mich auch 38 Jahre nach Erscheinen fragen lässt, warum dieser Knaller nie ein grosser Hit geworden ist? Geschrieben hat den Song der leider verstorbene Grant McLennan, angeblich innerhalb kürzester Zeit zusammen mit seiner damaligen Freundin Amanda Brown, der hübschen Go-Betweens-Geigerin. Das Stück war ihr wohl „grösster kommerzieller Versuch“, wie McLennans Songschreiber-Partner Robert Foster einmal erzählte. Leider wurde es kein Hit.

Alle zehn Songs auf „16 Lovers Lane“ haben eine Magie, die schwer zu beschreiben ist. Auch wenn die Musik sehr einfach konstruiert ist, wird sie immer süchtiger machend, je man öfter man die Platte hört. Vielleicht liegt es daran, dass es verdammt schwer ist einfache und simple Musik zu machen, die nicht nach dem zweiten Hören anödet, sondern nur noch Lust auf Mehr macht.

Lucio Dalla, Canzoni, 1996

Produzent/ Mauro Malavasi

Label/  BMG Ricordi

Lucio Dalla ( 4. März 1943 – 1. März 2012) war ein italienischer Sänger, Saxofonist und Pianist und er ist neben Poalo Conte mein Favorit in der neueren italienischen Musik. Alle Lieder auf diesem Album sind sehr gut. Alle Lieder haben poetische Texte,  tief eingebettet in die italienische Musiktradition, aber zeitgemäss genug, um im internationalen Musikgeschehen mithalten zu können. Die Musik  ist teilweise von absoluter Schwerelosigkeit – traumhaft im wahren Sinne des Wortes unterstützt sie die verbalen Aussagen der Lieder mit ungewohntem Nachdruck. 

Das wichtigste Instrument auf diesem Album, daran lässt die Produktion keinen Zweifel, ist die Stimme Dallas,  die Geschichten erzählt. Geschichten über die Nacht, den Tod und die Sterne, diese magische Kombination. Und über die Menschen natürlich. Über Menschen, die nicht wissen, ob sie ihr Leben in Stücke hauen sollen oder ob sie den Zug mit ihren Händen aufhalten sollen. Mich fasziniert die knappe Sprache und die Intensität der Bilder, die sie hervorbringt. Dalla spielt keine Patentlösungen vor, seine Lieder sind keine Märchen mit Happy End. Sie zeigen universelle Probleme und Situationen des Alltags. Kritisch aufbereitet, aber mit viel Humor und Verständnis auf den Punkt gebracht.