Faust, So Far, 1972

Produzent/ Uwe Nettelbeck

Label/ Polydor

Die vier Alben, die die deutsche Band Faust zwischen 1971 und 1974 aufnahm, sind mittlerweile über 50 Jahre alt – klingen aber ungebrochen schräg, irr, verstörend, manchmal albern aber immer furios. Faust waren eine Schlüsselband des sogenannten Krautrocks und der Coup des Musikjournalisten Uwe Nettelbeck. 1969 drückte ihm die Plattenfirma Polydor ein Geldbündel in die Hand, mit dem Auftrag, die deutsche Antwort auf die Beatles aufzutreiben. Nettelbeck baute aus den Resten zweier Hamburger Bands und weiteren Musikern eine neue Band. Das Sextett verkroch sich im Studio und legte 1971 sein Debüt „Faust“ vor: Ein bizarrer Sound aus Klangkollagen, Einschüben aus Marschmusik, klassischen Pianofetzen, kruden elektronischen Sounds und anderen Inkongruenzen.

The Beatles? Fehlanzeige. Der Irrsinn, den Faust entfesseln, erlaubt allenfalls Assoziationen mit Sun Ra und Karlheinz Stockhausen. Ein Erfolg war das Album auch nicht; Polydor verkaufte weniger als 1000 Stück – und verlangte ein „hörerfreundlicheres“ zweites Album. „So Far“ erschien 1972 und gilt als Fausts kommerziellster Wurf. Das motorisch rumpelnde „It’s a Rainy Day, Sunshine Girl“ ist dank seines einprägsamen Refrains geradezu hitverdächtig. Auf „So Far“ spürt man Fausts Bestreben, ihren Irrsinn zu strukturieren – das gelingt nicht wirklich, schafft aber eine unglaubliche Spannung.

Pere Ubu, Carnival of Souls, 2014

Produzent/ David Thomas

Label/ Fire Records

Unvergesslich der Moment, als ich irgendwann im Frühling 1978 zum ersten Mal „Modern Dance“ auflegte. Der punkige Drive war unverkennbar, der Sound von zerdepperten Flaschen passte da auch irgendwie hinein, aber der Gesang von David Thomas, der sich nicht um die Konventionen feiner Melodieführung kümmerte, war schon sehr ungewöhnlich. Dem allgemeinem Pop- oder Punkpublikum verlangten Pere Ubu ein bisschen viel Gewöhnungsbereitschaft ab. Auch ihre Kompromissjahre warfen keine grösseren Hits ab. Auch mit ihrem achtzehnten Album, zeigte sich die Band nicht weniger abenteuerlustig als in ihren frühen Tagen.

Die Songs von „Carnival of Souls“ sind von einem Projekt aus dem Jahr 2013, als die Band den gleichnamigen Film live in einem Londoner Kino begleitete. Zu den altbekannten, dissonant fiependen Analog-Synthies und David Thomas‘ grausig-schönem Gesang kommen diesmal eine Reihe von Holzblasinstrumenten. Der Karneval der Seelen beginnt mit dem düster rockenden „Golden Surf II“. In der Folge erlebt man ein Wechselbad der Emotionen – mal laut, mal leise zeichnet das Album zwei Welten auf halbem Weg zwischen Hitchcock und „Eraserhead“. „Carnival of Souls“ wurde von David Thomas selber produziert und ist eines der facettenreichsten Ubu-Alben überhaupt. Nie käme man auf die Idee, die da und dort an Krimisounds erinnernden Klänge oder gar die altmodischen Synthies als Gimmick aufzufassen. Dazu ist die narkotische Intensität dieser einzigartigen Musik viel zu beängstigend.

Bob Dylan, Love And Theft, 2001

Produzent/ Bob Dylan (unter dem Pseudonym Jack Frost)

Label/ Columbia

Nach vielen Jahren habe ich mir wieder mal „Love And Theft“ angehört, wo Dylan so schön berührend, innig und schön und auch dreckig singt, und einmal mehr weiss ich: Es geht um die Stimme. Es ist die Stimme, die den Sänger ausmacht. In Dylans Stimme höre ich sein langes Leben, seine Genialität, sein im Hier und Jetzt zu sein, überhaupt Mensch zu sein.

„Love And Theft“ ist ein grossartiges Album. Man kann auch sagen, dass sich Bob Dylan hier der amerikanischen Tradition versichern wollte. Und das tun er und seine agilen Begleiter auf „Love And Theft“ dermassen gründlich, dass das Album sich als einzige Abfolge von Zitaten, Verweisen, Anspielungen und Montagen erweist. Worauf Dylan, der Dieb der Traditionen, ja selber im Plattentitel verweist. Und wie so oft in seiner Karriere hat der Rückgriff auf die alten musikalischen Stile Amerikas zu einer Musik inspiriert, darunter Blues, Rockabilly, Country, Swing und Balladen nach der Manier von Tin Pan Alley. Der Mann mit der Maske spielt alte Lieder in neuen Texten, erzählt alte Stories in neuen Songstrukturen, was sich an manchen Stellen ziemlich verschroben anhört. Verschroben und ungemein sympathisch. Sympathisch vielleicht deshalb, weil das Dutzend Songs an vielen Stellen Humoresken beinhaltet. Kurzum: „Love And Theft“ ist für mich ein meisterliches Album des Meisters, eingespielt mit seiner besten Band seit The Band.

R.E.M., It’s the End of the World as We Know It, 1986

Text/ Musik/ Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills, Michael Stipe

Produzent/ Scott Ltt, R.E.M.

Label/ I.R.S.

Vor 30 Jahren nahm R.E.M. im Sound-Emporium-Studio von Nashville diesen bittersüssen Song auf, der 1987 auf ihrem Album „Document“ erschien. Auch wenn „It’s the End…“ nie zum Überhit wie „Losing My Religion“ oder „Everybody Hurts“ wurde, ist es für viele ein Lied geblieben, mit dem sie sich identifizieren können. Es gibt das Ohnmachtsgefühl wieder, das viele am Smartphone beschleicht, wenn im Sekundentakt News aufpoppen. Ein scheinbares Chaos, in dem sie nur noch schwer zwischen Katastrophe und Fehlalarm, zwischen realer Nachricht und gezielter Fälschung unterscheiden können.

1995 liessen die Musiker von R.E.M. den Software-Giganten Microsoft abblitzen, der „It’s the End of the World“ in seiner Werbung für Windows einsetzen wollte. “Ich will meinen Kindern zeigen, dass nicht alles zum Verkauf steht“, sagte Gitarrist Peter Buck. „Wer seine Musik für Werbung hergibt, ist eine Hure.“ – Statt R.E.M. waren die Rolling Stones im Werbespot für Windows zu hören. Sie sollen zwölf Millionen kassiert haben, dass sie den beziehungsreichen Titel „Start Me Up“ dafür hergaben.

Tom Waits, Bad As Me, 2011

Produzent/ Tom Waits, Kathleen Brennan

Label/ ANTI-Records

Wer 2011 auf diesem Album von dem 61-jährigen Tom Waits Altersmilde erwartet hatte, wurde bereits im Opener eines Besseren belehrt: „Chicago“ ist eine furiose Fusion aus Minimal Music und Bluespunk, getrieben von einer fiesen Orgel, glühenden R’n’B-Bläsern und den dürren Licks von Keith Richards und Marc Ribot. Und wenn Waits im Titeltrack das aufzählt, was alles „bad“ ist an ihr und ihm, also weshalb sie so gut zusammenpassen, ist man längst schon aufgesprungen – und geniesst die 45 Minuten währende Höllenfahrt durch seinen grotesken Kosmos. „I’m the detective up late / I’m the blood on the floor/ I’m the mattress in the back / I’m the old gunnysack/ No good you say?/ ha, ha, ha .. that’s good enough for me.“

So läuft es weiter und weiter mit diesem Album. Tom Waits zieht alle Register, von den schmutzigen Barjazz-Balladen und den Beatnik-Posen seiner Anfänge über verzweifelten Rockabilly, schroffen Vorkriegssblues, bizarr verfremdetem Tin-Pan-Alley-Kitsch bis hin zu schwindelerregenden Experimenten. Auch die Soundpalette ist dank Waits‘ Sinn für ausgefallene Instrumente und Geräusche reich und seine Texte von schwarzhumoriger Schärfe. Auf „Bad As Me“ unternimmt Tom Waits nicht den Versuch, sich neu zu erfinden – aber er bleibt unvorhersehbar und kompromissloslos. Altersstarrsinnig eben.

The Kinks, Muswell Hillbillies, 1971

Produzent/ Ray Davies

Label/ RCA Records

Weit mehr als die Beatles, die Stones oder die Who hatten die Kinks eine dauerhafte Beziehung zu London. Ray Davies verbrachte seine prägenden Jahre im Stadtteil Muswell Hill, und viele seiner Songs sind in London angesiedelt, darunter „ Dedicated Follower of Fashion“, „See My Friends“ und natürlich der Klassiker „Waterloo Sunset“. Das 1971 erschienene Album „Muswell Hillbillies“ ( das Cover zeigt die Band in der Archway Tavern in Holloway) erzählt traurige Geschichten rund um London, von Arbeiterfamilien, die aus dem Krieg zurückkehrten, um die zerstörte Stadt wieder aufzubauen. Geschichten, die viel mit den beteiligten Musikern zu tun hatten, wie Ray Davies selber sagte: „Muswell Hillbillies“ ist eines meiner Lieblingsalben. Es ist so eine Art Hintergrundgeschichte der Familie Davies und der beteiligten Charaktere.“

Auf „Muswell Hillbillies“ gibt es keine Hits wie „Lola“ oder „Sunny Afternoon“, sondern Musik die deutlich in Richtung Country, Blues und Stones-Rock tendiert. Es ist kein Album so zum nebenher Hören. Es erschliesst sich erst nach mehrmaligem aufmerksamen Hören und Nachverfolgen der Songtexte. So etwas mag out sein, aber das Album verspricht durchaus Genuss, wenn man erst einmal einen Draht dazu gefunden hat. 

Tom Petty And The Heartbreakers, Mojo, 2010

Produzent/ Tom Petty, Mike Campell

Label/ Reprise

„Hoodoo“, „Gris-Gris“, „Mojo“ – das sind einfach verschiedene Namen für dasselbe Ding: ein Talisman, der ewige Jugend und Lebenskraft verspricht. Wenn das „Mojo“ funktioniert, dann läuft auch das Leben. Dass ein alternder Rockstar wie Tom Petty sein 12. Album „Mojo“ getauft hatte, machte also durchaus Sinn. Dass sich Petty für diese Hommage seine altgediente Band The Heartbreakers geholt hatte, lag ebenso auf der Hand. Mit einigen der Musikern spielte Petty schon als Teenager zusammen. Die Ausgelassenheit dieser Klassenzusammenkunft, wo alte Kollegen ohne Erwartungsdruck ihre Verstärker anwarfen, versuchte Petty auch auf sein neues Album zu übertragen.

Für die „Mojo“-Session traf man sich deshalb im „Clubhaus“ der Heartbreakers. Man setzte dabei auf die Power der Livedarbietung und verzichtete auf Studiobasteleien. Entsprechend handgemacht präsentiert sich das Album. Die famose Eröffnungsnummer „Jefferson Jericho Blues“ rattert los wie Bob Dylan am Anfang seiner elektrischen Phase: Schlagzeug und Bass unterlegen einen Shuffle-Beat, der Sänger näselt, die elektrische Gitarre kreischt, und im Hintergrund wabert die Hammondorgel. Hier wird der elektrische Blues der schwarzen Musik beschworen, wie er einst in den Chess-Studios von Chicago erfunden wurde. Doch ganz so ungezwungen, wie sich das Petty gewünscht hatte, klingt „Mojo“ nicht. Da sind die Texte, die über die Einsamkeit des Langstreckenläufers auf dem Highway des Lebens sinnieren, da sind melancholische Abstecher zum Sound der Doors und zum Bluesrock von Led Zeppelin. Man wird den Eindruck nicht los, dass hier ein paar ausgewiesene Musiker ihre Berufskollegen mit brillantem Handwerk beeindrucken wollten. Dennoch: Tom Petty gehörte zu jener raren Sorte von Rockmusikern, deren Songs im gleichen Rhythmus wie sie altern. Und dass man sich im Alter einen eigenwilligen, kantigen Sound leisten darf. „I’m slowing down a little bit“, singt Petty in „Taking My Time“, und man nimmt ihn gern beim Wort. „Mojo“ funktioniert noch immer.

Jo-Ann Kelly, 1969

Produzent/ Nick Perls

Label/ CBS

Jo-Ann Kelly war eine britische Blues-Sängerin und Gitarristin. Sie wurde als „die unbestrittene Königin der britischen Country-Blues-Sänger“ bezeichnet. Diesen ehrenvollen Titel hätte sie stolz vor sich hertragen können. Doch der freundlichen Engländerin mit dem unprätentiösen Auftreten lag jeder Anflug von Selbstgefälligkeit fern. Auch grossspurige Promotion in eigener Sache entsprach nicht ihrer Art.

Die musikalische Laufbahn von Jo-Ann Kelly begann in der britischen Blues-Szene der frühen 1960er. Mit ihrer ausserordentlichen Stimme und dem von Memphis Minnie und Charley Patton beeinflussten Gitarrenstil beeindruckte sie 1964 das Publikum in den Londoner Clubs. Mit dem späteren Groundhogs-Kopf Tony McPhee machte sie erste Aufnahmen. Meist trat sie alleine auf, gelegentlich jedoch auch mit anderen Musikern wie der John Dummer Blues Band. 1969 erschien ihr erstes Album. Sie trat mit Canned Heat auf, die ihr eine längerfristige Zusammenarbeit anboten, ebenso wie später Johnny Winter. Beide Angebote lehnte Jo-Ann Kelly ab.

In den 1970ern trat sie weiterhin solo auf, ab und zu auch mit befreundeten Bands, wie etwa Tramp. 1979 half sie bei der Gründung der Blues Band, mit der sie Anfang der 1980er die Show „Ladies and the Blues“ aufführte, einen Tribut an die grossen Sängerinnen des Blues. 1988 wurde bei ihr ein Hirntumor diagnostiziert und entfernt. An den Folgen starb Jo-Ann Kelly am 21. Oktober 1990 im Alter von 46 Jahren.

Various Artists, A Bunch Of Stiff, Records, 1977

Produzenten/ Verschiedene

Label/ Stiff Records

Früher – ist das nicht wieder ein Anfang? – also früher, da gab es Plattenfirmen, die es sich zur Aufgabe gemacht hatten, Qualität zu produzieren. Trotz aller Unkenrufe von Seiten der etablierten Labels hielten sie für einige Zeit an diesem Konzept fest, und dadurch wurden Musiker und Musikerinnen bekannt, die vorher nicht mal die Chance gehabt hätten, das, was sie im Kopf hatten, mit dem Fingernagel auf eine alte Schiefertafel zu kratzen. Auch Stiff Records ist ein Schritt in diese Richtung gewesen. Ich möchte hier nicht die ganze Story erzählen; nur soviel: Stiff war es, die Bands wie The Clash oder den Damned ihre erste Chance gab und die englische Musiklandschaft Mitte der 70er Jahre nach neuen Talenten durchkämmte, nicht nur nach Punk-Bands, sondern nach Talenten, die für die etablierten Labels einfach zuwenig kommerziellen Erfolg versprachen.

Sehr gut vertreten auf diesem Sampler ist Nick Lowe. Er hat auch viele Stücke auf diesem Album produziert. In der Folge treffen wir auf ein paar alte Bekannte wie Lemmy Kilmister und seine Motörhead, oder auf Elvis Costello. Dazwischen tauchen auch Leute auf wie Martin Stone (Ex-Pink Fairies), Sean Tyla (Ex-Ducks De Luxe) und Dave Edmunds. Frei nach dem Wahlspruch „Stiff – Untertakers Of The Industry“ und „If They’re Dead – We’ll Sign’em“ zeigt dieser Sampler, was man alles machen kann, wenn nicht immer nur die Kohle als Masstab genommen wird.

Au Pairs, Playing With A Different Sex, 1981

Produzent/ Ken Thomas, Martin Culverwell, Au Pairs

Label/ Human Records

Die Au Pairs aus Birmingham waren eine Band, die einem sozialistischen Ideal nacheiferte. Sie taten das mit der gebotenen Vorsicht, die eine veränderte historische Situation bietet, mit einer Intelligenz, die weiss, dass es sich nicht über alle Widersprüche sprechen lässt, wenn man beim Konsumenten den Wiederholungsekel vermeiden will. Die Songs „Headache“ und „Armagh“ (über Folter in britischen Frauengefängnissen) sind gute Beispiele für diese Sensibilität gegenüber überforderten Formen. Der einzige Fremdtitel, Bowies „Repetation“ über einen gescheiterten Mann, der seine Enttäuschung an seiner Frau auslässt fügt sich nahtlos in die Betrachtungsweise von „Playing with a Different Sex“ ein.

Das Cover zeigt Vietnamesinnen im Manöver. Frauen im Spiel mit dem anderen Geschlecht. Sängerin Lesley Wood ist der entscheidende Faktor, der die schöne, klug arrangierte und komponierte Reggae-erfahrene moderne englische Musik auf ein aussergewöhnliches Niveau hebt.