Au Pairs, Playing With A Different Sex, 1981

Produzent/ Ken Thomas, Martin Culverwell, Au Pairs

Label/ Human Records

Die Au Pairs aus Birmingham waren eine Band, die einem sozialistischen Ideal nacheiferte. Sie taten das mit der gebotenen Vorsicht, die eine veränderte historische Situation bietet, mit einer Intelligenz, die weiss, dass es sich nicht über alle Widersprüche sprechen lässt, wenn man beim Konsumenten den Wiederholungsekel vermeiden will. Die Songs „Headache“ und „Armagh“ (über Folter in britischen Frauengefängnissen) sind gute Beispiele für diese Sensibilität gegenüber überforderten Formen. Der einzige Fremdtitel, Bowies „Repetation“ über einen gescheiterten Mann, der seine Enttäuschung an seiner Frau auslässt fügt sich nahtlos in die Betrachtungsweise von „Playing with a Different Sex“ ein.

Das Cover zeigt Vietnamesinnen im Manöver. Frauen im Spiel mit dem anderen Geschlecht. Sängerin Lesley Wood ist der entscheidende Faktor, der die schöne, klug arrangierte und komponierte Reggae-erfahrene moderne englische Musik auf ein aussergewöhnliches Niveau hebt.

Copperhead, 1973

Produzent/ David Brown

Label/ Columbia

Es gibt vergessene Meisterwerke der Rockmusik. Copperhead gehört mit Sicherheit zu ihnen. Copperhead war das erste Projekt, das Spitzengitarrist John Cipollina nach Auflösung von Quicksilver Messenger Service anging. Der am 24. August in Berkley, Kalifornien geborene und am 29. Mai 1989 in San Francisco gestorbene Cipollina war einer der profiliertesten Westcoast Gitarristen und galt bei vielen schon Anfang der 70er Jahre als „der letzte Hippie“.

Als Gitarrist war Cipollina eine Kultfigur, die von ihren Anhängern endloser Solo-Improvisationen wegen bedingungslos verehrt wurde. Die 1973 veröffentlichte erste LP von Copperhead zeigte aber bereits, dass Cipollina diszipliniert genug war, sich der Form des Rocksongs anzupassen. Das macht einen wesentlichen Teil der Qualität dieser Platte aus. Denn die Songs waren interessant und in sich stimmig. Jeder für sich ein kleines Juwel. Und schliesslich war da auch der Hauch von West Coast, zunächst nicht vordergründig, aber er war da. Unwillkürlich erinnert man sich an Bands wie Love oder Sons of Champlin.

Die Original-LP wurde unter dem Label „Underground“ vermarktet und verkaufte sich schlecht. Und bei der CD von 1993 war es genauso, sie war kurz nach Veröffentlichung wieder in den Wühlkästen gelandet. Viel Spass also beim Hören von dieser wunderschönen Platte von Copperhead und bitte nicht mit den gleichnamigen Southern-Rocker verwechseln.

The Allman Brothers Band, Brothers and Sisters, 1973

Produzent/ Johnny Sandlin, The Allman Brothers Band

Label/ Capricorn

„Born Under A Bad Sign“, dieser klassische Bluesstitel von Albert King, schien wie ein böses Omen über der Allman Brothers Band zu stehen. Nachdem Duane Allman während den Aufnahmen zu „Eat A Peach“ starb und Berry Oakley nur bei zwei Stücken von diesem Album mitspielte, bevor er verunglückte, hatte dann auch der Schlagzeuger Butch Trucks einen schweren Unfall. Um so erfreulicher, dass „Brothers and Sisters“, das mehr als ein Jahr bis zur Fertigstellung brauchte, dann schon bald auf Nummer Eins der amerikanischen Charts stand.

Auf dem Album bewegen sich die Allman Brothers immer mehr vom klassischen Blues fort und in Richtung von The Band und der Grateful Dead, deren Essenz ein weisser Country Rock ist. Bestes Beispiel dafür ist „Ramblin‘ Man“, dessen Rhythmus wie der Motor eines „Rigs“ , einer dieser riesigen amerikanischen Überlandlasters, klingt. Darüber legen Les Dudek und Richard Betts klare fliessende Melodielinien. Der zweite Höhepunkt des Albums ist die Instrumentalnummer „Jessica“, deren singendes Riff ein Gefühl der Freude und Leichtigkeit vermittelt. Wieder ist es das Zusammenspiel von Dudek und Betts, das dieses Stück so heraushebt. „Southbound“, ein Blues im Stil von Junior Wells, mit harter aufbauender Bassfigur, geben Betts und dem mit viel Einfühlungsmöglichkeiten spielenden Pianisten Chuck Leavell Möglichkeiten für gute Soli. „Jelly Jelly“ erinnert sehr an „Stormy Monday Blues“.

Die Vorderseite des Covers von dem kleinen Jungen mit dem rostbraunen Pulli und der Cordhose, versunken in die Untersuchung des frühherbstlichen Laubes auf einem Spiel- oder Sportplatz in der Provinz, zeigt ein Foto von Valor Trucks, dem Sohn vom Schlagzeuger Butch Trucks, während auf der Rückseite ein Foto von Brittany Oakley zu sehen ist, der Tochter des Bassisten Berry Oakley.

The Beatles, Rain, 1966

Text/ Musik/ Lennon/McCartney

Produzent/ George Martin

Label/ Parlophone

Während die Beatles diese B-Seite der „Paperback Writer“ Single aufnahmen, stiessen sie erstmals auf die technische Möglichkeit, Aufnahmen rückwärts abzuspielen. Das klang wie aus einer anderen Welt. John Lennon war so begeistert von dem neuen Sound, dass er die ganze Nummer rückwärts aufnehmen wollte. Schliesslich beugte er sich aber doch George Martin und gab sich zufrieden, dass nur die letzten 25 Sekunden seines Gesanges entsprechend entfremdet eingesetzt wurden.

Thema dieses Songs war, wie auch bei vielen anderen psychedelischen Werken, die Natur. Die Sonne, die Wolken, der Himmel, Blumen und Bäume wurden plötzlich in ganz anderem Licht gesehen, erfahren und besungen. Durch Acid bekam das Gewöhnliche plötzlich eine besondere Faszination und es dauerte nicht lang, bis The Move das Gras wachsen hörten („I can hear the grass grow“). Die Grünen tauchten erst ein Jahrzehnt später auf.

Small Faces, Tin Soldier, 1967

Text/Musik / Steve Marriott, Ronnie Lane

Produzenten/ Steve Marriott, Ronnie Lane

Label/ Immediate

Dieser Song, den Steve Marriott schrieb, um die Frau zu beeindrucken, die er später heiraten sollte, war ursprünglich nicht für die Small Faces gedacht. Da das Label Immediate eine Philosophie des Teilens vertrat, bot Marriott „Tin Soldier“ zuerst Pat (P.P.) Arnold an,  zog aber dann das Stück zurück und gab ihr einen ähnlichen Song („If You Think You’re Groovy“). Die Band spielte auf ihrer Platte, sie sang dafür bei den Small Faces mit.

 „Tin Soldier“,  zwischen „Itchycoo Park“ und „Lazy Sunday“ veröffentlicht, wurde trotz – oder vielleicht gerade wegen – seiner Brillanz sowohl in England wie in den Staaten nur ein dürftiger Erfolg. Heute würde das Stück aber bei allen Umfragen nach dem besten Song der Small Faces ganz weit oben stehen.

Es gibt eine frühere Instrumentalversion mit Akustikgitarren, die den Song ursprünglich tragen sollten, aber das Endergebnis nahm grossen Einfluss auf die Acid-Rock-Szene. Ronnie Lanes Bass ist sowohl Rhythmus- als auch Leadinstrument, und die Drums von Kenny Jones (inklusive Blechtrommeleffekte) machen Kleinholz aus dem Track. Und Marriotts Gesang? Nichts mehr mit Kinderkram – hier beginnt tatsächlich die Rockära. In einer Fernsehaufnahme der Small Faces mit P.P. Arnold vom März 1968 kann man sehen, wie sich der Auftritt von der damals doch noch ganz konventionellen Musikdarbietungswelt abhebt. Die Musiker bewegen sich wie eine Band von heute und der Sound ist druckvoll, dynamisch, voller Power und Leidenschaft – und damit zeitlos.

Pixies, Doolittle, 1989

Produzent/ Gil Norton

Label/ Elektra Records

Es gibt Leute, die halten „Surfer Rosa“ für das beste Album der Pixies. Vielleicht haben sie recht. Die von Steve Albini akribisch eingebügelten Ecken und Kanten haben wohl massgeblich dazu beigetragen, dass „Surfer Rosa“ damals (von der Jugend!) als ursprünglich und elektrisierend aufgenommen wurde. Doch der grosse Hit, der Klassiker, der Evergreen ist „Doolittle“. Das war die Platte, auf die sich damals alle einigen konnten. „Doolittle“ warf Wellen weit über die Grenzen des Undergrounds hinaus, hinterliess tiefe Spuren, beeinflusste viele Bands und bereitete nicht zuletzt den Grunge vor.

Die bluesigen, knarzigen, schmeichelnden und krachigen Entlehnungen aus dem Rock’n’Roll-Schatz sind wundersam artgerecht, lebendig – und meistens entstehen daraus kurze und kurzweilige Songs. Manchmal macht der Bass die Melodie, manchmal ist es die Gitarre, manchmal der Gesang, manchmal alle drei. „Debaser“, „Here Comes Your Man“ und „Monkey Gone To Heaven“ sind die Evergreens, aber keiner der 15 Songs fällt ab. Das liegt nicht zuletzt an der Produktion von Gil Norton: Sie ist geschliffen und geschmeidig, rückt alle Instrumente gleichberechtigt in den Vordergrund und holt den Pop-Appeal jedes Songs aus dem Krach. „Doolittle“ ist kein Punk, der sich als Pop ausgibt, sondern Pop der sich hie und da als Punk gebärdet. Und die Pixies wirken auf dem Album immer freundlich und gut gelaunt, egal wie laut der damals schon zu gemütlicher Rundlichkeit neigende Black Francis brüllt, keift und wütet und wie heftig die Gitarren krachen.

„Doolittle“ ist ein Klassiker, kein Zweifel, eine massgebende Platte der späten 80er Jahre und vorallem ein unverwüstlicher Evergreen, der heute nicht weniger frisch klingt wie damals.

The Replacements, Unsatisfied, 1984

Text/Musik/ Paul Westerberg

Produzent/ Peter Jesperson, Paul Westerberg

Label/ Twin/Tone Records

„Unsatisfied“ ist ein mit vier Minuten untypisch langes Stück für die Replacements. Ein Song ohne echten Refrain, den Westerberg unfertig ins Studio bringt, wo er recht spontan aufgenommen wird. Gitarrist Bob Stinson steuert  nachträglich noch eine improvisierte Solo-Gitarre hinzu. Eine gezupfte 12-saitige Akustikgitarre leitet den Song schon fast hippiesk-folkig ein, bis die Band nach 30 Sekunden einsetzt und ein wenig vor sich hin mäandert. Fast denkt man, dies wäre nur ein kleines Instrumental-Intermezzo, da setzt Paul Westerberg mit kehlig-desillusionierter Stimme und den Worten „Look me in the eye and tell me that I’m satisfied, was you satisfied?“ ein. Die Zeilen werden in leichten Variationen immer fordender und krächzender gesungen, während in zwei bridgeartigen Teilen ein wenig Hintergrund für diese Unzufriedenheit geliefert wird. „Everything goes well, anything goes all of the time. Everything you dream of is right in front of you and everything is a lie“, heisst es da etwa. Und am Ende überschlägt sich Westerbergs Stimme förmlich, wenn er wieder und wieder „I’m so, I’m so unsatisfied“ brüllt. 

„Unsatisfied“ ist kein Song für die Indie-Disco, keine Radio-Ballade. Der Song wurde nie als Single ausgekuppelt, die Band selbst hielt den Song und die Aufnahme nicht für sonderlich gelungen. Unausgereift und und unfertig wäre er. Und doch ist er ein zentrales Stück der „Teenage Angst“ der damaligen Zeit. Etwa zehn Jahre später sollte Kurt Cobain für die Grunge-Generation ähnliches leisten. Doch das ist eine andere Geschichte.

Joni Mitchell, Big Yellow Taxi, 1970

Text/Musik/ Joni Mitchell

Produzentin/ Joni Mitchell

Label/ Reprise Records

„Big Yellow Taxi“ ist vermutlich der bekannteste Song über die so einzigartige menschliche Tendenz, den Planeten Erde, der unser aller Zuhause ist, gedankenlos zu zerstören. Dabei ist „They paved paradise, put up a parking lot“ mehr als nur eine gelungene Alliteration, sondern basiert nach Joni Mitchell auf einer realen Begebenheit: Am ersten Morgen einer Reise nach Hawaii öffnete sie den Vorhang, um die wunderbare Berglandschaft der Insel zu sehen, sah aber nur einen lächerlich grossen Parkplatz, der sich vor ihr erstreckte.

Ausserdem geht es in dem Lied um die Entwaldung, die Kommerzialisierung der Natur und giftige Pestizide in unseren Nahrungsmitteln. In der letzten Strophe singt Mitchell: „A big yellow taxi took away my old man“. Ist „old man“ vielleicht eine Art Bezeichnung für ihren Freund? Falls ja, verknüpft sie hier zwei Geschichten, anhand derer man sieht, wie vergänglich das Glück ist: „Don’t it always seem to go/ That you don’t know what you got til it’s gone?“ Es scheint als wollte Joni Mitchell damit sagen, dass es, wenn es um den Planeten Erde geht, nicht anders ist als bei Herzensangelegenheiten. Zurückrudern bringt nichts.

Randy Newman, Little Criminals, 1977

Produzent/ Lenny Waronker, Russ Titelman

Label/ Reprise

Randy Newman hatte mit „Short People“ ziemlich Schwierigkeiten bekommen, der Song durfte beim Erscheinen von den US-Radio-Stationen nicht gespielt werden. Wenn es nun simpel gegen kleinwüchsige Menschen ginge, wäre das auch eine vernünftige Entscheidung; aber so schlicht wird man Randy Newman wohl nicht interpretieren dürfen. Wenn in seinem Song Zeilen vorkommen wie „They walk around / Tellin‘ great big lies…“ liegt die Interpretation nahe, dass er sich allgemein kritisch mit dem sogenannten „Kleinbürger“ auseinandersetzten will, dem Spiesser. Ausserdem heisst es im Text „Short people are just the same / As you and I /(A fool such as I) / All men are brothers / Until the day they die / (It’s a wonderful world)“ – der Song bemüht sich also um Empathie, vielleicht ist auch Selbstkritik mit dabei.

„Short People“ ist bereits ein starker Opener für „Little Criminals“, aber auch die übrigen Titel sind beeindruckend. „Sigmund Freud’s Impersonation Of Albert Einstein In America“ und das brillante „Baltimore“ sind zeitlos schöner Pop. Randy Newmans Melodien schleichen sich ganz unaufdringlich ins Ohr, teilweise sogar richtig zuckersüss („I’ve always been crazy bout irish girls“), aber wenn man dann anfängt, auf die Texte zu achten, ist es so, als ob man einen mit dem Hammer verpasst bekommt. Sarkasmus pur, Ironie, böse Kritik. („We’re Rednecks“) Am Fiesesten und überhaupt schön ist „In Germany Before The War“ „In Germany before the war/ there was a man who owned a store/in nineteen hundred thirty four in Düsseldorf“. Angeblich soll der Kindermörder Fritz Haarmann hier Pate gestanden haben…

John Coltrane, Blue Train, 1958

Produzent/ Alfred Lion

Label/ Blue Note

„Blue Train“, John Coltrane’s einzige Platte für Blue Note, kam aufgrund mündlicher Vereinbarungen mit Label-Boss Alfred Lion zustande. Coltrane machte mit diesem Album erst seine zweite LP als Solist – zu einem gewissen Teil sicher aus der Not heraus – Miles Davis hatte ihn 1957 aufgrund seiner Heroinsucht aus seiner Tour-Band geworfen, Coltrane aber wollte mehr touren. So stellte er eine eigene Band zusammen und spielte im September ’57 diese Sessions für Blue Note ein – natürlich mit den besten Musikern des Labels: Eine dreifach besetzte Hornsektion mit dem Trompeter Lee Morgan, Trombonist Curtis Fuller und Coltrane selbst am Saxophon, Kenny Drew am Piano und als Rhythmussektion Bassist Paul Chambers und Drummer „Philly“ Joe Jones. Alles beileibe keine reinen Mitläufer und alles Musiker, die ihn später immer wieder in wechselnden Konstellationen begleiten sollten.

Noch war Coltrane musikalisch nicht so „revolutionär“, wie er werden würde, noch ist es der „reine“ Hard Bop, der hier gespielt wird – egal, meiner Meinung nach, denn Innovation im Jazz ist oft nur für Musiktheoretiker interessant (und wirklich zu erkennen) und „Blue Train“ ist unabhängig von allen technischen Feinheiten ein grossartiges Album voller Inspiration und Energie. So wurden der Titeltrack oder das energiegeladene „Moments Notice“ mit dem Trombone-Solo von Fuller, sowie das grossartige „Locomotion“ zu Standards des Hard Bop – und dieses Album mit seinem geschmackvollen Cover-Design zum ersten Klassiker in Coltrane’s Solo-Diskografie. Da ist insbesondere das enge Zusammenspiel der drei Bläser auf „Blue Train“, welches die Platte mit Recht zum Highlight macht – und zu dem Album, das er selber als das Beste aus der Phase vor „Giant Steps“ (1960) bezeichnen sollte.