The Beatles, She Said She Said, 1966

Text/Musik/ Lennon/ McCartney

Produzent/ George Martin

Label/ Parlophone

„Who put all those things in your head?“ Diese Dinge besorgte wohl Dr. Robert. John stellt hier das letzte von mir ausgewählte Stück vom „Revolver“ Album vor, voller verdrehten Rhythmen und auf- und niederstrebenden Melodien. Dieses Lied wurde durch die Begegnung der Beatles mit einige Mitgliedern der Byrds und dem Schauspieler Peter Fonda inspiriert. Im August 1965, bevor die Beatles Elvis in Graceland besuchten, nahmen sie einen gemeinsamen Trip mit dem Angeber Fonda, der ihnen weismachen wollte: „I know what it’s like to be dead.“ John glaubte ihm offenbar jedes Wort.

Der ursprüngliche Titel des Liedes war „He Said He Said“ und jeder, der sich schon einmal als Hobbypsychiater mit dem anregend regressiven Bild der Liedzeile „You’re making me feel like I’ve never been born“ beschäftigt hat, wird neuen Stoff zum Sinnieren erhalten, ursprünglich sang John nämlich: „You’re making me feel like my trousers are torn.“

The Beatles, Doctor Robert, 1966

Text/Musik/ Lennon/ McCartney

Produzent/ George Martin

Label/ Parlophone

Es handelt sich hier um eine „saubere“ Aufnahme. Der Text jedoch lässt keine Zweifel an der wahren Natur des Rezepts, das der gute Doktor verschreibt. Vorbild war ein gewisser Dr. Charles Robert, ein Acid-Doktor aus New York. Der Sänger lädt auf „Doctor Robert“ sowohl dazu ein, mit ihm einige illegale pharmazeutische Produkte zu teilen, wie auch eine Warnung, dass es sich bei diesem Charlie um einen Mann handele, dem man Glauben schenken müsse, der jedem Bedürftigen helfe.

Es dauerte nur wenige Jahre, bis John Lennon zu jenen gehörte, die für sich Drogen brauchten. Der „Doctor“ erinnert auch an Lennons und Harrisons ersten Acid-Trip. Ein befreundeter Zahnarzt hatte ihre Getränke mit LSD gespiked, ihnen ohne ihr Wissen LSD untergejubelt. Die Lennons fürchteten eine geplante Sexorgie und flüchteten mit George Harrison. Ihre Heimfahrt wurde zur spektakulärsten und entdeckungsfreundlichsten Reise in ihrem bisherigen Leben, zumal sie an der Haustür nicht aufhörte, sondern noch viel weiter führte.

The Beatles, I’m Only Sleeping, 1966

Text/Musik/ Lennon/McCartney

Produzent/ George Martin

Label Parlophone

Mit diesem Lied ändert John seine auf „Tomorrow Never Knows“ eingeschlagene Richtung um 180 Grad: statt „downstream“ floatete er nun „upstream“. Der Schlaf und vor allem die Träume spielen unter dem Einfluss von LSD eine völlig neue Rolle. Dieses dem Titel angemessen einschläfernde Stück dokumentiert jene faszinierende Grauzone zwischen Schlaf und Wachbewusstsein hervorragend. Mitten in diesem luziden Song gähnt Lennon schamlos und bittet: „Please don’t spoil my day, I’m miles away.“

The Beatles, Love You To, 1966

Text/Musik/ George Harrison

Produzent/ George Martin

Label/ Parlophone

Ich möchte die Psychedelic Music Compilation der Beatles weiterführen mit George Harrisons akustischem Sitargeschnörkel, das in der Folge zu einem Markenzeichen der psychedelischen Musik der Mittsechziger wurde. Acid verfeinerte nicht nur die Hörfähigkeiten, sondern auch das Bewusstsein. Durch die trippigen, exotischen Ideen von „Love You To“ bekam Indien für die HörerInnen dieses Liedes einen ganz neuen Stellenwert.

Es handelt sich hier um einen der ersten westlichen Popsongs, der für indische Instrumente geschrieben wurde. Um so erstaunlicher, dass George Harrison hier eigenhändig die Saiten bedient. Er hat zugegeben, dass die Sitarklänge auf „Norwegian Wood“ noch eher zufällig waren, sie bei „Love To You“ jedoch erstmals bewusst eingesetzt wurden. Mit einem Text, der sich inhaltlich definitiv von üblicher Popromantik abgenabelt hat und einem gesunden Schuss proto-hippiehafter Instruktionen wie „to make love all day long“ – begann die psychedelische Zeit der Beatles in atemberaubendem Stil.

The Beatles, Tomorrow Never Knows, 1966

Text/Musik/ Lennon/ McCartney

Produzent/ George Martin

Label/ Parlophone

Auf Besen reitende Hexen, die durch das sternenverpixelte Weltall rasen: Solch ein Bild suggerierten die Geräusche, die den Beatles-Song „Tomorrow Never Knows“ begleiteten, eine mantraartige Litanei in ostinatem C-Dur, von John Lennon mit verstellter Stimme gesungen und getragen vom ruckelnden Schlagzeug. Die Effekte hatten die Band und ihr Produzent George Martin mithilfe rückwärts gespielter oder beschleunigter Endlosbandschlaufen kreiert.

Das bahnbrechende Stück erschien im Sommer 1966 am Schluss des Albums „Revolver“ – und läutete ein Psychedelikfieber in der Popmusik ein, das seinen Höhepunkt 1967 erlebte. Wer Rang und Namen hatte in der Szene – und erst recht, wer es nicht hatte – begann nun, Klänge zu verfremden, Songs zu zersetzen, Engelschöre anzustimmen, barock zu trompeten und zu behaupten, man höre das Gras wachsen.

J. J. Cale, Grasshopper, 1982

Produzent/ Audie Asworth, J. J. Cale

Label/ Island

Wenn ich jemandem eine einzige Platte von J. J. Cale empfehlen müsste, wäre es „Grasshopper“. Da ist alles drin ist, was J. J. Cale ausmachte. Zur stilistischen Vielfalt kommt eine ausgereifte Produktionstechnik. Hier ist der Mann auf der Höhe der Zeit, klingt modern und dennoch ganz nach J. J. Cale. Ein perfekter Spagat! Mit dabei ein paar der besten Sessionmusiker; Reggie Young, Ken Buttrey, David Briggs, Tommy Cogbill und John Christopher an der Rhythmusgitarre.

Das Herz von „Grasshopper“ aber sind selbstverständlich die Songs, die Geschichten. Bereits die Eröffnungsnummer setzt die Latte hoch; mit dem sonnigen „City Girls“ war Cale einem Pop-Hit so nah wie nie zuvor. Der zweite Song „Devil In Disguise“ ist vermutlich der schnellste Rock-Song, den er je aufgenommen hat. „Drifter’s Wife“ spielt Cale ganz allein, mit Okie-Akzent und virtuosem Fingerpicking erzählt er die Geschichte eines umherziehenden Musikers, auf Augenhöhe mit Woody Guthrie oder Bob Dylan. „You Keep Me Hangin’ On“ berührt mit verletzlichen Texten und einer Klavier-Begleitung in allerbester Elton John-Manier. In „Downtown L.A.“ zeichnet er ein deprimierendes Porträt der Grossstadt-Dekadenz, in „A Thing Going On“ zaubert er eine beängstigend mystische Stimmung aus dem Ärmel, und im von Christine Lakeland und ihm geschriebenen „Don’t Wait“ wird dieser Schwere ein umwerfend charmanter Optimismus entgegengesetzt.

Keines der vierzehn Stücke gleicht einem andern, doch jedes verkörpert seine bestimmte Rolle, sogar die beiden kurzen Instrumentals, die für sich allein irgendwie seltsam klingen. „Grasshopper“ hat dieses innere Gleichgewicht, welches sich nicht erklären lässt. Wer also noch gute Musik für ein Stündchen im Schaukelstuhl braucht, ist mit dieser Platte von J. J. Cale bestens bedient.

Small Faces, There Are But Four Small Faces, 1968

Produzent/ Glyn Jones, Ronnie Lane, Steve Marriott

Label/ Immediate

Keiner der vier war grösser als 1,65 Meter. Und sie waren „faces“ – immer nach der neusten Mode herausgeputzte Mods. Steve Marriott war der unangefochtene Bandleader. „Er war ein kleines Arschloch“, sagte Glyn Jones, damals Produzent der Small Faces. „Aber sein Enthusiasmus, seine Energie und auch sein Egoismus hatten einen bedeuteten Anteil am Erfolg.“

1967 war ein gutes Jahr für die Small Faces. Mit „Here Comes The Nice“, „Itchycoo Park“ und „Tin Soldier“ hatten sie gleich hintereinander drei Singles, die alle Popgeschichte schrieben. Ausserdem nahmen sie das psychedelische Konzeptalbum „Ogden’s Nut Gone Flake“ auf, das im Sommer 1968 ein grosser Erfolg wurde. Hinter diesem Kreativitätsschub stand Andrew Loog Oldham, der Manager der Rolling Stones. 1965 gründete er das Label Immediate. Die Small Faces wechselten zu ihm, weil sie unbegrenzt Studiozeit zur Verfügung bekamen. Bis dahin mussten Aufnahmen immer so schnell wie möglich fertig sein. Das erste Album hatten die Small Faces in einem Tag aufgenommen. Ausser von Oldham profitierten die Small Faces nun auch von Glyn Jones, der zu diesem Zeitpunkt einer der besten Toningenieure Englands war.

Trotz des Erfolgs von „Ogden’s Nut Gone Flake“ wurde Marriott immer unzufriedener und verliess die Band Ende 1968, um mit Peter Frampton Humble Pie zu gründen. Für die verbliebenen Small Faces ging das Leben weiter: Sie fanden mit Rod Stewart einen neuen Sänger und verkürzten den Namen auf Faces. Obwohl auch Stewart nur 1,65 Meter misst.

Lou Reed, Coney Island Baby, 1976

Produzent/ Lou Reed, Godfrey Diamond

Label/ RCA

„I’m just a gift to the women of this world…“ singt er, der gute alte Lou, in stolzer und ungebrochener Selbstironie und mit vertraut-erschreckendem menschenverachtendem Zynismus – und wie man ihn so hört wundert man sich einmal mehr, wie er es doch immer immer wieder mal geschafft hat, so mitreissende Platten wie diese auf die Beine zu stellen und trotzdem so abgeschlafft zu klingen, als stünde er an der Schwelle zu Koma.

Klar, es ist die alte kaputte Masche, die Lou Reed hier wieder abzieht, mit seinen „Kikikikikikikikikikikikicks“ und seinen „Watch-Me-Nows“, aber es ist halt auch der alte Mr. Android, der da singt, und zwar mit seiner unnachahmlich, spröden und verzögernden Stimme, aus der sich die ganze Gebrochenheit des modernen Grossstädters heraushören lässt („Hey kid, what’s your style? How do you get your kicks from livin?“).

Die Begleitmusiker auf „Coney Island Baby“ setzen nicht so sehr auf instrumentale Virtuosität wie Reeds alte Gruppe auf „Rock’n’Roll Animal“, stattdessen legen sie mehr Gewicht auf zurückhaltende Klarheit und Exaktheit – etwas bescheidener, etwas ruhiger und solider, aber nicht weniger mitreissend. Die Platte ist ein wahres Geschenk, nicht nur an die Frauen dieser Welt!

X, Los Angeles, 1980

Produzent/ Ray Manzarek

Label/ Slash

Dieses X hat wirklich Kultstatus. Chronologisch gesehen waren X eine der US Punkbands der ersten Stunde. Mit ihren hyperschnellen, fiesen Punkminiaturen aus Los Angeles, den Chuck-Berry-Coverversionen waren sie Blaupause für den späteren Hardcore. „Los Angeles“ war das Debüt von X, deren Sängerin Exene Cervenka wie eine mopsige Siouxie aus Transsylvanien aussah, die drei Buben dagegen in ihren karierten Holzfällerhemden proklamierten eine sachliche und ruhige Alternative zum Sicherheitsnadelgetue der englischen Punks.

Die Musik von X war eigentlich nur aufgebohrter Rock’n’Roll, aber darüber sangen und klagten in gedehntem, gequältem Unisono John Doe und Exene Cervenka von den Freuden und Leiden einer subkulturellen Stadtguerilla, während auf dem Cover ein X abgefackelt wurde wie ein Kreuz bei einem Ritus des KuKluxKlans. Gleichzeitig blinkte im Hintergrund immer schon das Signal „Mainstream“, war der Einfluss des Doors-Keyboarders Ray Manzarek zu hören. So ist es dann auch gekommen: X gaben den Bedürnissen des Mainstream- Rocks immer mehr nach, ohne sich je ganz durchsetzen zu können. Aber „Los Angeles“ ist noch das grosse Versprechen, die erste Liebe, Punk in seiner ganzen seltsamen Schönheit.

The Violent Femmes, The Blind Leading The Naked, 1986

Produzent/ Jerry Harrison

Label/ Slash

Zwischen die interessanten Monologe Gordon Ganos, die geheimnisvollen Gesänge und wuchernde Instrumentierungs- und Stilvielfalt der durchweg anrührenden Femmes, mischen sich so solide klingende Sachen wie original englischer R & B („ Faith“ klingt sehr nach Yardbirds) und eine Coverversion von „Children of the Revolution“. Die an das Original angelehnte Fassung erfährt hier allerdings eine wunderliche Behandlung: Ein altertümlich-funkiges Daddel-Intro leitet zur weidlich ausgespielten Schleimgitarre, Gordon Gano greint abgehackt darin rum – aber doch auf bescheidene Art schön. 

Das ganze Album scheint mir ziemlich „witzig“ zu sein, mit vielen humorträchtigen Details. Zum Glück nicht zu viele, denn: ich mag seriöse Leute. Und G. G. ist über die Massen seriös. Das Album hat auch den Vorteil, dass die Femmes, egal wie geschwind die Musik dahingehoppelt, immer wie gelähmt wirken. So gelähmt, wie man sich fühlt, wenn es einem gelungen ist, die Hose über den Kopf und die Jacke über die Beine zu ziehen. Sie sind reizend, das reizendste Zitat aber ist: „l can’t even remember if we were lovers, or if I just wanted to“.