Pete Townshend, Face The Face, 1985

Text/Musik/ Pete Townshend

Produzent/ Chris Thomas

Label/ ATCO Records

Ich muss zugeben, dass ich das Album „White City: A Novel“ von Pete Townshend wohl von vorherein gar nicht hätte schlecht finden können. Schliesslich gehörten The Who für mich jahrelang zu den Grössten. Überflüssig zu sagen, dass „Face The Face“ natürlich ein gigantischer Song ist. Es scheint als hätte Townshend hier sein Krise überwunden: „ It’s time to live… we got to fight the fight, we must race the race, so we can face the face…“

Dementsprechend ist auch die Musik kräftig/rockig, die Selbstmitleid-Balladen von „All The Best Cowboys Have Chinese Eyes“ sind vergessen. Stattdessen Up-Tempo-Soul (die erste Who-Single hiess übrigens „I’m The Face“). Aus heutiger Sicht beeindruckt vorallem die treibende Energie von „Face The Face“ und dieser ausgefeilte Klang, der einen sehr eigenen Retro-Charme ausstrahlt. Wer The Who kennt, wird verstehen, warum ich „Face The Face“ für den besten Solo-Titel von Pete Townshend halte.

Eric Clapton, 461 Ocean Boulevard, 1974

Produzent/ Tom Dowd

Label/ RSO

Also: Ich finde bestimmte Teile von diesem Album ausgezeichnet. Andere Teile finde ich beschissen. Es sind vorallen drei Stücke, die herausragen, zwei würde ich mit dem Adjektiv „zeitlos“ bezeichnen. Es geht gleich los mit „Motherless Children“, ein Traditional, das von einem federenden Schlagzeug über eine interessante rhythmische Struktur getrieben wird. Sehr schön, aber noch nicht klassisch. Das erste „zeitlose“ Stück ist „Willie And The Hand Jive“, ein Johnny Otis R&B Standard, den Clapton in einer sehr unterkühlten Version darbietet. Er erzielt dabei etwa den gleichen Effekt, wie die Mamas und Papas, als sie „Twist And Shout“, das die Beatles heiss verrockt hatten, gleichsam umdrehten und kühl verschnulzten.

Ähnlich verhält es sich mit dem Favorit Nr. 3 „I Can’t Hold Out“, eine Elmore James-Nummer. Der Gitarrenstil von James, eine der Kultfiguren der frühen britischen Blues-Szene, wurde damals so ziemlich von jedem kopiert. Clapton hat den Kopien eine souveräne Interpretation vorangesetzt, indem er James’ typische abgehackte Pizzicato-Phrasen durch lange weite Bögen, die er auf der Slide-Gitarre spielt, ersetzt. Das ist so geschickt gemacht, dass es trotzdem noch nach Elmore James klingt, wirklich sensibel nachempfunden.

Ja, das wärs schon, den Rest finde ich unerheblich, schwächlich besonders das von Clapton selbst verfasste Material. Aber auch zu der vielgerühmten Version von „I Shot The Sheriff“ (ein Bob Marley Stück) habe ich nie ein Verhältnis gefunden.

The Pogues, If I Should Fall From Grace With God, 1988

Produzent/ Steve Lillywhite

Label/ Island Records

„If I Should Fall from Grace with God“  von den Pogues hat mir immer gefallen. Die Songs sind alle in der schäumenden, fülligen, samtigen, vielseitigen Art von Steve Lillywhite produziert. Der Einstieg macht das Stück, das dem Album den Namen gab – ein schnelles Lied mit unglaublichem Drive. Shane MacGowan singt hier mit seiner rohen Stimme über die Verzweiflung und über die totale Zerstörung. Die nachfolgenden Lieder sind Sauflieder par excellence: „Turkish“ und „Bottle of Smoke“. Die Sprache ist grob, die Witze dreckig.

Bei „Fairytale of New York“ kommt der Bruch; das Weihnachtslied, ein Duett mit Kirsty MacColl, ist trotz der kaputten und traurigen Geschichte wunderschön. „Thousands Are Sailing“ ist ein Song über die Auswanderung von Hunderttausenden Iren im 19. und 20. Jahrhundert. Auch „Streets of Sorrow“ ist politisch: Es geht hier um die Birmingham Six – sechs Männer die in Birmingham fälschlicherweise für IRA-Bombenanschläge im Jahr 1975 zu lebenslanger Freiheitsstrafe verurteilt wurden. „The Broad Majestic Shannon“ ist ein tröstendes Liebeslied mit der schönen Chorus-Zeile „Take my hand and dry your tears babe, take my hand forget your fears babe“. Shane MacGowan ist ein echter Poet, seine Lieder sind Kunstwerke. Und so abrupt wie der ganze Spass angefangen hat, so abrupt hört er auch wieder auf. „Worms“, das letzte Lied auf dem Album, schildert wie wir am Ende alle von Würmern aufgefressen werden. Ein ziemlich schräges, aber passendes Ende.

Joe Cocker, Mad Dogs & Englishmen, 1970

Produzent/ Denny Cordell, Leon Russell

Label/ A&M Records

Man kann nicht sagen, die Rock- und Pop-Musik sei früher spannender gewesen. Ältere Aufnahmen sind oft mit Nostalgie verbunden, während es neue Musik immer schwerer hat, sich gegen die historische Konkurrenz durchzusetzen. Insgesamt muss man aber sagen, dass die Musikszene früher mehr Abenteuer versprochen hat als heute. Die Zusammenarbeit und der Austausch von Musikern, Produzenten, Technikern und Veranstaltern sorgten für ein kreatives Fieber. Das Zustandekommen eines solchen Albums wie „Mad Dogs & Englishmen“ wäre damals unter europäischen Verhältnissen kaum vorstellbar gewesen: Extra für Joe Cockers Amerika-Tournee wurde für zwei Monate die Gruppe Mad Dogs & Englishmen zusammengewürfelt, die 11 Sänger und 10 Instrumentalisten, darunter Leon Russell und Cris Stainton, umfasst. Schon ihren fünften oder sechsten Auftritt im Fillmore East hat man mitgeschnitten und daraus ein Album produziert. Die Konzerte sind auch gefilmt worden. Deshalb wird das Album als Filmmusik präsentiert.

Bei so wenig Zeit zum Üben haben sich Mad Dogs & Englishmen verständlicherweise auf schon klassische Songs geeinigt wie: „Cry Me A River“, „Sticks And Stones“, „I’ve Been Loving You Too Long“, „Let’s Get Stoned“ und ähnliche. Das Ganze wird mit der Frische und Spontanität einer kurzfristig zusammengestellten Gruppe in ungewöhnlich guter Kommunikation mit dem Publikum vorgetragen. Joe Cocker ist hier einer der ganz Grossen. Geprägt von Drogenexzessen quält sich der Mann durch jeden einzelnen Song als hätte er Angst, es wäre sein letzter. Seine Stimme ist von solcher Präsenz und Wucht, dass es einen schier umbläst.

The Rolling Stones, Dirty Work, 1986

Produzent/ Steve Lillywhite, The Glimmer Twins

Label/ Rolling Stones

Vielleicht ist es, weil ich langsam so alt, so von innen knochig, so ausgekocht blöde bin wie die Stones, vielleicht höhlt steter Tropfen, ungehörige Beharrlichkeit, ewig kindliche Renitenz auch mein Herz aus Stein, vielleicht ist es, weil ich heute gehört habe, dass das Konzert der Rolling Stones in Bern nun definitiv abgesagt wurde.

Auf jeden Fall habe ich mir heute „Dirty Work“ angehört. Das ist vielleicht ein schamlos, einfallsloses Album, es könnte auch von irgendeinem drogensüchtigen Keith-Richards-Verehrer der vierten Generation stammen. Aber mir gefällt die Platte – ein Hauch von Punkrock, ein wenig Lärm, unökonomische Arrangements, nicht diese berechnete Produktion, dieses stolze Feiern jedes typischen Licks. Stattdessen eine ganze normale Idioten-Band, der man zum zum ersten Mal die Chance eines etwas besseren Studios gegeben hat.

Auf dem Cover farbenfroh und poppig, sehen vorallen Charlie Watts und Mick Jagger wie frisch freigelassene, ehemalige politische Gefangene aus und auf der Innenseite prangt der idiotischste Cartoon aller Zeit. Und dann die allgemein bekannte Stumpf-Version des „Harlem Shuffle“. Auf jeden Fall ist „Dirty Work“ viel besser als sein äusseres Erscheinungsbild. Auch wenn nicht alles Gold ist was glänzt, so ist „Dirty Works“ für mich definitiv eines der besseren Stones-Alben aus den 80er Jahren.

Ray Wylie Hubbard, The Grifter’s Hymnal, 2012

Produzent/ Ray Wylie Hubbard, George Reiff

Label/ Bordello Records

In den frühen Siebzigern schrieb Ray Wylie Hubbard „Up Against the Wall, Redneck Mother“. Als Jerry Jeff Walker mit dem Song einen Hit landete, standen ihm plötzlich viele Türen offen. Doch Plattenfirmen und Publikum waren noch nicht bereit für Crossover-Sound. Ignoriert vom Mainstream Country-Radio, gebeutelt von Alkohol- und Drogen-Exzessen, kreierte Hubbard im Lauf der Jahre eine prächtige, stilistisch breite Songkollektion. Sein Album „The Grifter’s Hymnal“ festigt seinen Status als faszinierender Autor, der neben Scharfsinn und Spiritualität viel Güte für alle Loser bereit hält, die seine Songs bevölkern.

Wenn Einfachheit die höchste Stufe der Vollendung ist wie Leonardo da Vinci mal gesagt hat, dann ist Ray Wylie Hubbard der Vollendung mit diesem Album schon sehr nahe gekommen. Kein Ton, kein Akkord zu viel, der die Songs stören könnte. Man kann hier Erinnerungen an Lightnin Hopkins oder Mance Lipscomb ebenso hören wie an den ganz frühen Lonnie Johnson. Aber dann ist diese Bluesreferenz in den Songs immer wieder gebrochen durch Sprachspiele, die man eher bei Rilke oder anderen Lyrikern erwarten würde. Meine Anspieltipps: „New Year’s Eve at the Gates of Hell“, „Count My Blessings“, „Mother Blues“. Aber eigentlich sind alle Songs stark. Man sollte das Album laut aufdrehen und auf sich wirken lassen.

Various Artists, Quiero Creedence, 2016

Label/ Concord Picante

„Quiero Creedence“ ist ein Tributalbum, das zeigt, wie inspirierend die Songs von Creedence Clearwater Revival bis heute sind. Auch für Latinos. Hier versammeln sich Rocker und Popstars, darunter etablierte Acts wie Los Lobos oder Spaniens Rock & Roll-König Enrique Bunbury, dessen düstere Version von „Corre Por La Jungla“ („Run Through The Jungle“) die Party eröffnet. Neben Doug Pettibones dreckiger Slidegitarre enthält sie einen tollen Salsateil. Los Lonely Boys haben den Swamp-Blues von „Born On The Bayou“ im Blut, „Feelin‘ Blue“ mit Montereys Band of Bitches erinnert eher an die Red Hot Chili Peppers. Ozomatli verwandeln „Bad Moon Rising“ in einen beschwingten Reggae-, Cumbia- und Mariachi-Schunkler. Bang Data verpassen der bilingualen Version von „Fortunate Son“ die Hip-Hop- und Electrodröhnung. Der Argentinier Andres Calamaro interpretiert „Long As I Can See The Light“ als Soultitel.

Eine bemerkenswerte Kollaboration ist das Duett von ZZ Tops Billy Gibbons mit La Marisoul: „Green River“ verbindet hart rockenden Boogie und den R & B von Ike & Tina Turner. El Tri liefern eine mitreissende, tanzbare Tex-Mex-Fassung von „Proud Mary“, während Diamante Electrico aus Bogota „Up Around The Bend“ als schleichenden, neopsychedelischen Rocksong neu erfinden.

Them, It’s All Over Now, Baby Blue, 1967

Text/Musik/ Bob Dylan

Produzent/ Tommy Scott

Label/ Decca

1972, an einem Wochentag um 21 Uhr lief im ZDF-Hauptprogramm das Fernsehspiel „Die Rocker“. Der Regisseur Klaus Lemke versuchte darin ein authentisches und unverfälschtes Bild vom Hamburger Kiez der frühen Siebziger Jahre zu erstellen. Deshalb wurden auch keine Schauspieler verpflichtet, sondern Laiendarsteller, die sich selbst spielen. Sogar ihre bürgerlichen Namen wurden mit übernommen. Keine Kostüme, sondern ihre tatsächliche Kleidung. Dieser Versuch ist absolut geglückt. Auch 50 Jahre später fasziniert der Film immer noch als herausragendes, einzigartiges Stück Zeitgeschichte aus dem Hamburger Rocker- und Asozialenmilieu der frühen Siebziger. Hier wird geschlägert und gesoffen, den Spiessern der Scheitel gezogen und sich natürlich auch gegenseitig zerfleischt. Zwischendurch gibt es immer wieder coole Sprüche für die Ewigkeit.

Der richtige Sound, von den Rolling Stones über Santana bis Led Zeppelin, verstärkt noch den authentischen Effekt des Films. Und vor allem die Gruppe Them, deren sanftmütiges „Its All Over Now, Baby Blue“ gleich mehrfach erklingt in dem Streifen, u.a. als Kontrast zu einer erotischen Begegnung auf einer Kneipentoilette. Durch den Film von Klaus Lemke erlangte der Song, den Them mit ihrem Sänger Van Morrison bereits in den 60er Jahren veröffentlicht hatte, Kultstatus. Nach der Ausstrahlung von „Rocker“ kam „It’s All Over Now Baby Blue“ umgehend in die deutschen Charts und blieb dort für einige Wochen. Der von Bob Dylan geschriebene Song hat seinen Kult-Charakter bis heute nicht verloren.

Ramones, 1976

Produzent/ Craig Leon

Label/ Sire Records

Eine harte, laute Gitarre schlägt ein paar Griffe an, die Bassdrum nimmt den 160 BPM-Takt auf und los geht’s: There’s no stoppin the cretins from hoppin. Keine Pause zwischen den Stücken ist länger als zwei Sekunden. So erlebte ich den ersten Kontakt zu den Ramones vor langer Zeit. Damals stand das Wort Punk in keinem Lexikon. Aber bald wusste ich, dass Punks nur in Grossstädten leben und gedeihen, ihr unveränderter Habitus aus T-Shirt, Lederjacke (schwarz), Jeans (mit Löcher und verwaschen) und Tennisschuhen besteht. Der Lebensinhalt des Punk ist Rotznase zu sein. Eine Rotznase, die ein hundertfünzigprozentiges Ego hat, immer zuerst zuschlägt und zuerst wegrennt.

Die dreizehn Titel auf der ersten Ramones-LP sind denn auch nichts anderes als Punk-Literatur mit dem Vorschlaghammer geschrieben und getreu der Punk-Devise „sich ja nicht von was auch immer einlullen zu lassen“ auch so richtig schön negativ. Oder sind Worte wie  “I’m a shock trooper in a stupor / Yes I am / I’m a Nazi shatze / You know I fight for fatherland” etwa positiv ??? Tja, und das kommt dann so unprätentiös daher wie ein Sack Zement. Allen überflüssigen Ballast wie Gitarren- und Schlagzeug-Soli haben die Ramones über Bord gekippt, was hier abläuft ist ein Drei-Akkord-Bombardement! Drei Akkorde und sonst nichts. Fast scheint es, als hätten Joey, Johnny, Dee Dee und Tommy seit frühester Kindheit in einem Kellerloch von Manhattan gehaust, kein Radio und keinen Plattenspieler gehabt und nie im Leben etwas von den Beatles oder den Pink Floyd gehört. Vielleicht war das auch gut so. Die Debüt-Scheibe der Ramones – man kann sie nur hassen oder lieben – gehört zu jenen Platten, die tatsächlich den Lauf der Kultur beeeinflusst haben.

Lou Reed, Transformer, 1972

Produzenten/ David Bowie, Mick Ronson

Label/ RCA

Was an „Transformer“ sofort auffällt ist die stilistische Vielseitigkeit. Leider ist das aber durchaus nicht unproblematisch, denn die Flexibilität liegt keineswegs immer im Song selbst, sondern drückt sich vordergründig nur durch das Arrangement aus, ohne die musikalische Substanz entsprechend mitwachsen zu lassen. Ein Beispiel für ein solch verfehltes Konzept ist „Good Night Ladies“, das wohl nur als Veralberung der Nostalgiewelle einige Berechtigung hat. Auch „New York Telephone Conversation“ und „Make Up“ sind wegen ihrer langweiligen Melodie ziemlich schwach auf der Brust.

Die Platte gehörte sicher nicht zu meinen Favoriten des Jahres 1973. Wenn ich „Transformer“ unterm Strich dennoch ein gutes Album nennen muss, dann liegt das an den übrigen Songs, die alle mittlerweile beste Lou-Reed-Klassiker geworden sind. „Vicious“ „Walk On The Wild Side“, „Wagon Wheel“ sind dabei die besten Tracks, wobei auch sie in der Form erheblich voneinander abweichen. Ein phantastisches Beispiel für den spezifisch dekadenten Charme des Lou Reed ist „Walk On The Wild Side“. Hier wird der simple Song-Rohstoff durch eine grossartige Bearbeitungs-Ideen auf eine hohe Qualitätsebene transformiert. Der eigenwillige Text über die damaligen Freaks aus Warhols Factory wird mit aussagestarker Musik befrachtet, die dank ihrer Substanz ein übereifriges Arrangement überhaupt nicht nötig hat.

„Transformer“ wurde auf dem Höhepunkt des Glamrocks veröffentlicht. Lou Reed gelang es damals wegen künstlerischen Differenzen und seiner Drogensucht nicht richtig im Mainstream anzukommen. Dass er zwei Jahrzehnte später zu einer Konstante der breiten Rockmusik wurde, liegt auch an der Zeitlosigkeit von „Transformer“.